Schallmauern niederreißen

Seit der Erfindung des Phonographen vor 135 Jahren ist kein Interpret weiter gegangen als Glenn Gould, um den Übergang der Musik von etwas Ephemerem und gesellschaftlich Erlebtem (ob in einer Waldlichtung, in einem Kammer- oder Konzertsaal) zu etwas zu erleben, das privat aufgenommen und erlebt wurde (sei es auf Kassette, CD oder MP3). Gould, dem Pianisten, der vor allem für seine Beherrschung von Bach bekannt war, fühlte sich mit der Aufführung zutiefst unwohl und gab 1964 mit 32 Jahren ganz auf. Für ihn war das Publikum zu einer Art Feind geworden, das zuhörte, um zu sehen, ob es Fehler erkennen konnte. Das Konzert ist tot, erklärte er. Stattdessen wandte er sich der Reinheit der Aufnahmetechnologie zu, da sie die volle Kontrolle darüber bot, wie ein Musikstück erlebt werden würde. Er nahm eine Aufnahme nach der anderen von Bachs Französischen Suiten oder Goldberg-Variationen auf der Suche nach der endgültigen, wenn auch zusammengefügten Wiedergabe seiner Interpretation (die notwendigerweise subjektiv war, da Bach das moderne Klavier fehlte).

Gould, der 1982 starb, hatte Recht, dass die Technologie das Musikerlebnis verändern würde – nur nicht in einer Weise, die er hätte voraussehen können. Die Technologie ermöglicht es Musikern, ihre Vorstellung von einem perfekten Rendering zu formulieren, wie es Gould wollte. Aber wie David Byrne, Frontmann der Band Talking Heads aus den 1970er und 1980er Jahren, in seinem Buch feststellt Wie Musik funktioniert , Technologie macht es jetzt praktisch jedem möglich, Musik zu machen und sie überall zu verbreiten. Durch diese demokratisierende Transformation könnte der Wert einer Aufnahme tatsächlich sinken. Die Technologie kann tatsächlich dazu führen, dass Musik zu einem mehr, nicht weniger, sozialen Erlebnis wird: Sie bringt uns wieder zusammen, um sie live zu hören.

Angst vor Musik

Gould war ein Hypochonder, der es ablehnte, berührt zu werden, aber seine Vorliebe für Aufnahmen war nicht so ungewöhnlich wie seine persönlichen Gewohnheiten. Nach seiner Verkündung erlebten viele Musiker eine fruchtbare Zeit der Innovation in der Schallplattenproduktion. Nur drei Jahre nach seinem Rücktritt von der Bühne hat ein anderer Act, der ebenfalls aufgehört hatte zu touren, ein neues Album fertiggestellt: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Es wurde 1967 auf den Markt gebracht und stellte einen großen Technologiesprung dar. Die Beatles und der Produzent George Martin schufen eine Art virtuellen Mehrspur-Recorder, indem sie vierspurige Aufnahmegeräte miteinander verketteten (das Abmischen von vier Spuren auf eine Spur einer anderen Maschine); Geschwindigkeitsänderungen an Sprachspuren vorgenommen; analoge Effekte zu Instrumentenspuren hinzugefügt; und bestimmte Klangschichten verdoppelt oder verdreifacht. Die Beatles haben es nie live gespielt.



Großes Lösungsproblem

Diese Geschichte war Teil unserer November-Ausgabe 2012

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Bald darauf erschienen die ersten digitalen Synthesizer. Die 1970er und 1980er Jahre leiteten eine Ära spezialisierter digitaler Hardware ein, verkörpert durch das mehr als 200.000 $ Synclavier, eines der ersten Produkte, das eine vollständige digitale Manipulation, Synthese und Bearbeitung von Sound ermöglichte. Talking Heads war eine Band, die sich solche Tools zunutze machte. Die Gruppe begann als Ersatz-Arty-Gruppe im New Yorker Club CBGB. Aber mit ihrem dritten Album Angst vor Musik , erreichten sie eine neue Stufe des kritischen und kommerziellen Erfolgs. Dies war zum Teil der Produktion von Brian Eno zu verdanken, dem ehemaligen Keyboarder von Roxy Music, der mehr Soundeffekte und bearbeitete Instrumentenspuren verwendete als die Gruppe zuvor.

Byrne stand dann vor der schwierigen Aufgabe, die Erwartungen des Publikums zu erfüllen. Er erinnert sich daran, dass er die Bühne mit neuer Ausrüstung beladen hat, einschließlich eines Prophet-5-Synthesizers, aber er erkannte die Grenzen der Technologie. Wir könnten einige der abgefahreneren Studio-Sounds und Arrangements, an denen wir gearbeitet hatten, reproduzieren, wenn auch nur, aber wir wussten, dass es genauso wichtig war, unseren straffen rhythmischen Kern beizubehalten, schreibt er. Wir waren immer noch eine Live-Band und nicht nur eine Gruppe, die Aufnahmen originalgetreu reproduzierte. Byrne sah seine Aufgabe nicht nur darin, eine Aufnahme zu machen oder eine bestimmte Version live zu spielen, sondern auch den sozialen Aspekt der Musik zu feiern. Trotzdem war die Aufnahme damals noch die Art und Weise, wie die meisten Leute Talking Heads erleben würden. Tatsache war, dass Künstler wie Byrne mit Plattenverkäufen Geld verdienten. Touring hatte ein geschäftliches Ziel: das Interesse an der Platte zu steigern.

Spielwechsler

Dieses Modell blieb noch 20 Jahre bestehen; Die CD-Verkäufe erreichten 1999 ihren Höhepunkt. Mit dem Aufkommen des digitalen Filesharings brachen sie jedoch bald zusammen. Die US-amerikanischen Musikverkäufe im Jahr 2011, einschließlich digitaler Downloads, beliefen sich auf 7 Milliarden US-Dollar, gegenüber 14,6 Milliarden US-Dollar im Jahr 1999.

Wie Musik funktioniert

  • David Byrne

    McSweeneys, 2012

Selbst als die Plattenverkäufe einbrachen, wurde die einst exotische Technologie für das Musikmachen immer billiger und fiel in die Hände von immer mehr Musikern. Neue Software hat begonnen, das zu tun, was das Synclavier tat. Garage Band, ein Musikaufnahmeprogramm, das mit jedem MacBook Pro kostenlos geliefert wird, enthält Sounds, die so gut sind wie die von einst hochmodernen Geräten wie dem Kurzweil 1000 PX Professional Expander, einer Blackbox, die Musiker Ende der 80er zum Spielen gekauft haben gesampelte Instrumentenklänge von einer separaten Tastatur. Websites wie Samplebank ermöglichen es Künstlern, Samples und Riffs für 99 US-Dollar hochzuladen und auszutauschen. Die Kosten für das Mischen und Aufnehmen sanken, und jetzt kann ein Album auf demselben Laptop erstellt werden, mit dem Sie E-Mails abrufen, schreibt Byrne. Heute arbeitet er hauptsächlich in seinem Heimstudio.

Dies erleichterte den Musikern den Einstieg. Im Jahr 2005 Jonathan Coulton kündigte seinen Job als Software-Autor und widmete sich dem Komponieren und Aufnehmen eingängiger Songs über die Vorstadt, den Arbeitsplatz und die Geek-Kultur (Shop Vac, Code Monkey). Coulton ist als geschickter Internet-Marketer bekannt, aber er schreibt Technologie grundlegender zu – dafür, dass sie ihm überhaupt geholfen hat, den Sprung zu wagen, und dann dafür, dass sie ihm geholfen hat, seine Songs zu kreieren. Irgendwann sei die Technik so weit fortgeschritten, dass die Demos, die ich zu Hause gemacht habe, so gut waren wie die endgültige Aufnahme, sagt er. Warum sollte ich eine Demo machen? Warum verkaufe ich das nicht einfach? Ideen bekommt er vom Kaossilator, einem Touchpad-gesteuerten Synthesizer, der nur 160 Dollar kostet. Eine Fingerbewegung schlägt Skalen, Akkordfolgen oder Schlagzeugfüllungen vor. In meinem Telefon habe ich mehr Macht als die Beatles hatten, als sie Sgt. Pfeffer, sagt er. Das ist ein echter Game Changer, und ich denke, wir haben wirklich nur an der Oberfläche gekratzt.

Soziale Wurzeln

All diese Fortschritte haben eine logische Folge. Da so viel mehr Musik gemacht und konsumiert wird, ist es für Musiker schwieriger, sich abzuheben. Wer tötet? , von Tune-Yards, gewann viele Kritikerlob als eines der besten Alben des Jahres 2011. Aber verglichen mit den Favoriten früherer Kritiker, einschließlich Sgt. Pepper and Fear of Music, kaum verkauft: gerade mal 47.000 Exemplare im Jahr 2011. Aus diesem Grund sind Live-Auftritte – neben T-Shirts das einzige, was nicht digitalisiert werden kann – zur Haupteinnahmequelle von Musikern geworden.

Byrne bemerkt, dass die Technologie des Musikkonsums – iPods und Ohrhörer – das Geschriebene nicht wirklich geändert hat. Wenn es eine kompositorische Reaktion auf MP3s und privates Hören gegeben hat, habe ich sie noch nicht gehört, schreibt er. Stattdessen ist die stärkere Kraft im Leben von Musikern, wie die Technologie die Betonung der sozialen Wurzeln der Musik erneuert. Byrne, 60, sagt, dass er LPs und CDs loswird und sich wöchentlich aus seiner Wohnung in Manhattan wagt, um Live-Acts zu sehen. Da sind noch andere Leute, schreibt er. Oft gibt es auch Bier.

Er sieht die Möglichkeit, dass uns die Technologie zunehmend dazu bringen wird, Live-Musik zu hören, was Goulds Ideen auf den Kopf stellt. Ein Jahrhundert technologischer Innovation und Digitalisierung der Musik habe ungewollt ihre gesellschaftliche Funktion betont, schreibt er. Wir geben nicht nur Freunden immer noch Kopien von Musik, die uns begeistert, sondern schätzen den sozialen Aspekt einer Live-Performance immer mehr als früher. . . Die Technologie ist nützlich und bequem, aber letztendlich hat sie ihren eigenen Wert reduziert und den Wert der Dinge erhöht, die sie nie erfassen oder reproduzieren konnte.

Was Gould betrifft, kann man ihn noch heute über seine Tastatur gebeugt beobachten. Er ist auf YouTube verewigt, und ihn dort zu sehen, hat mich dazu inspiriert, einen Versuch mit dem dritten Satz von Bachs zu machen Italienisches Konzert . Gould hätte sich online sicherlich in fremder Gesellschaft befunden. Ich hoffe, er hätte nicht das Gefühl gehabt, dass seine Hingabe an die Technologie fehl am Platz war.

David Talbot ist der Chefkorrespondent von MIT-Technologie-Überprüfung .

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